Du 15 au 23 mars 2024, l'Atelier Malicot organise le premier festival de photographie de rue à la chambre.
Voici les photographes qui participeront à ce premier festival:
Maria Di Pietro et Félisia Toscano vivent à Pistoia en Italie. Elles travaillent en tandem sur divers projets principalement en argentique.
Stella Iannitto est vidéaste et s’intéresse depuis peu à la photographie ambulante.
Sandrine Lissac vit à Paris et pratique la chambre de rue en argentique.
Tiphaine Populu vit et travaille à Tours. Elle expérimente divers procédés anciens
comme le collodion humide mais également le paladium.
Raphaël Bariatti-Veillon est installé à Tourcoing où il pratique la chambre de rue,
et réalise également à la demande des chambres photographiques. Il nous présentera quelques unes de ses réalisations.
Thierry Chuzeville est installé à Fontaine Raoul dans le Loir-et-Cher.
Il explore la technique de l’ambrotype à l’aide d’une chambre 20*20 cm.
Francis Courtemanche vit en Loire Atlantique à Bouguenais. Il pratique une multitude
de procédés et viendra à Sablé expérimenter un dérivé du Polaroïd.
Jean-Michel Delage vit à Baugé-en-Anjou. Il navigue entre la chambre de rue et le collodion humide.
Fabien Hamm est installé à Paris où il pratique le collodion humide sous toutes ses formes
et s’intéresse également à une multitude de procédés anciens positifs ou négatifs.
Kevin Ingrez, alias Faleke vit en région parisienne à Montreuil. A l’aide d’une chambre de rue,
il réalise des portraits en argentique dans une démarche participative avec ses modèles.
Alain Paris est installé à Orveault en Loire Atlantique. Il pratique la photo ambulante et le collodion humide.
Jean Luc Sigel vit à Mayres en Auvergne. Il pratique le collodion humide avec des chambres allant du 69 cm au 1824 cm
Au cours de ce festival, nous accueillerons également les élèves de l’école de photo de Pruillé le Chétif.
Que vous soyez amateur, amatrice, professionnel.le ou si tout simplement la photographie vous intéresse, venez rencontrer les photographes invité.e.s au festival, venez les voir opérer, venez vous y faire photographier !
Ce sera pour vous l'occasion de découvrir d'impressionnantes chambres photographiques, d'assister à l'apparition de ces images argentiques, et aussi de visiter l'Atelier Malicot, le plus ancien atelier photographique de France qui soit encore fonctionnel, avec son mobilier et ses décors d'origine.
N'hésitez pas à nous contacter pour plus de renseignements, et nous vous donnons rendez-vous pour ces premières rencontres photographiques de Sablé sur Sarthe.
A bientôt!

𝚅𝚒 𝚊𝚜𝚙𝚎𝚝𝚝𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚊𝚕𝚕𝚊 𝙵𝚘𝚗𝚍𝚊𝚣𝚒𝚘𝚗𝚎 𝙰𝚕𝚒𝚗𝚊𝚛𝚒 𝚙𝚎𝚛 𝚕𝚊 𝙵𝚘𝚝𝚘𝚐𝚛𝚊𝚏𝚒𝚊.

Ancor più, essendo le uniche, teniamo a sottolinearlo: “i fotografi e 𝗹𝗲 𝗳𝗼𝘁𝗼𝗴𝗿𝗮𝗳𝗲”

𝚀𝚞𝚊𝚗𝚍𝚘 𝚊𝚋𝚋𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚒𝚗𝚒𝚣𝚒𝚊𝚝𝚘 𝚚𝚞𝚎𝚜𝚝𝚘 𝚙𝚛𝚘𝚐𝚎𝚝𝚝𝚘 𝚍𝚊𝚕 𝚙𝚛𝚒𝚖𝚘 𝚒𝚜𝚝𝚊𝚗𝚝𝚎 𝚊𝚟𝚎𝚟𝚊𝚖𝚘 𝚋𝚎𝚗 𝚌𝚑𝚒𝚊𝚛𝚘 𝚒𝚕 𝚗𝚘𝚜𝚝𝚛𝚘 𝚘𝚋𝚒𝚎𝚝𝚝𝚒𝚟𝚘, 𝚊𝚕𝚍𝚒𝚕𝚊̀ 𝚍𝚒 𝚞𝚗𝚊 𝚏𝚒𝚕𝚘𝚜𝚘𝚏𝚒𝚊 𝚍𝚒 𝚟𝚒𝚝𝚊 𝚌𝚑𝚎 𝚘𝚐𝚗𝚞𝚗𝚊 𝚍𝚒 𝚗𝚘𝚒 𝚌𝚊𝚖𝚖𝚒𝚗𝚊𝚗𝚍𝚘 𝚒𝚗𝚜𝚒𝚎𝚖𝚎 𝚜𝚝𝚊𝚟𝚊 𝚊𝚋𝚋𝚛𝚊𝚌𝚌𝚒𝚊𝚗𝚍𝚘, 𝚒𝚕 𝚌𝚞𝚘𝚛𝚎 𝚎 𝚕𝚊 𝚗𝚎𝚌𝚎𝚜𝚜𝚒𝚝𝚊̀ 𝚗𝚘𝚗 𝚎𝚛𝚊𝚗𝚘 𝚜𝚘𝚕𝚘 𝚚𝚞𝚎𝚕𝚕𝚒 𝚍𝚒 𝚛𝚒𝚙𝚛𝚎𝚗𝚍𝚎𝚛𝚎 𝚌𝚘𝚗 𝚗𝚘𝚜𝚝𝚊𝚕𝚐𝚒𝚊 𝚕’𝚊𝚗𝚝𝚒𝚌𝚊 𝚙𝚛𝚊𝚝𝚒𝚌𝚊 𝚊𝚛𝚐𝚎𝚗𝚝𝚒𝚌𝚊, 𝚗𝚎́ 𝚍𝚒𝚖𝚘𝚜𝚝𝚛𝚊𝚛𝚎 𝚋𝚛𝚊𝚟𝚞𝚛𝚊 𝚝𝚎𝚌𝚗𝚒𝚌𝚊 𝚘 𝚖𝚊𝚎𝚜𝚝𝚛𝚒𝚊 𝚍𝚎𝚕𝚕’𝚞𝚝𝚒𝚕𝚒𝚣𝚣𝚘 𝚍𝚎𝚕𝚕𝚘 𝚜𝚝𝚛𝚞𝚖𝚎𝚗𝚝𝚘. 𝚀𝚞𝚎𝚕𝚕𝚘 𝚍𝚊 𝚌𝚞𝚒 𝚜𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚙𝚊𝚛𝚝𝚒𝚝𝚎, 𝚒𝚘 𝚌𝚘𝚗 𝚒𝚕 𝚖𝚒𝚘 𝚋𝚊𝚐𝚊𝚐𝚕𝚒𝚘 𝘧𝘰𝘵𝘰𝘨𝘳𝘢𝘧𝘪𝘤𝘰, 𝙵𝚎𝚕𝚒𝚜𝚒𝚊 𝚌𝚘𝚗 𝚒𝚕 𝚜𝚞𝚘 𝘤𝘰𝘮𝘶𝘯𝘪𝘤𝘢𝘵𝘪𝘷𝘰 , 𝚎̀ 𝚜𝚝𝚊𝚝𝚘 𝚒𝚕 𝚍𝚎𝚜𝚒𝚍𝚎𝚛𝚒𝚘 𝚍𝚒 𝚛𝚒𝚙𝚎𝚛𝚌𝚘𝚛𝚛𝚎𝚛𝚎 𝚎 𝚜𝚌𝚘𝚟𝚊𝚛𝚎 𝚜𝚝𝚘𝚛𝚒𝚎 𝚌𝚑𝚎 𝚙𝚘𝚗𝚐𝚘𝚗𝚘 𝚕’𝚊𝚝𝚝𝚎𝚗𝚣𝚒𝚘𝚗𝚎 𝚜𝚞𝚕𝚕’𝚒𝚖𝚙𝚘𝚛𝚝𝚊𝚗𝚣𝚊 𝚍𝚎𝚕𝚕𝚊 𝚖𝚎𝚖𝚘𝚛𝚒𝚊, 𝚞𝚗 𝚛𝚒𝚝𝚘𝚛𝚗𝚘 𝚊𝚕𝚕𝚊 𝙥𝙤𝙚𝙩𝙞𝙘𝙖 𝙙𝙚𝙡𝙡𝙖 𝙛𝙤𝙩𝙤𝙜𝙧𝙖𝙛𝙞𝙖 𝚎 𝚕𝚎 𝚝𝚛𝚊𝚌𝚌𝚎 𝚍𝚎𝚕 𝚝𝚎𝚖𝚙𝚘 𝚊𝚝𝚝𝚛𝚊𝚟𝚎𝚛𝚜𝚘 𝚕𝚞𝚘𝚐𝚑𝚒 𝚎 𝚟𝚘𝚕𝚝𝚒 𝚞𝚖𝚊𝚗𝚒.
𝚀𝚞𝚊𝚗𝚍𝚘 𝚍𝚒𝚌𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚛𝚒𝚝𝚘𝚛𝚗𝚘 𝚒𝚗𝚝𝚎𝚗𝚍𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚛𝚒𝚙𝚛𝚎𝚗𝚍𝚎𝚛𝚎 𝚍𝚒 𝚗𝚞𝚘𝚟𝚘 𝚌𝚘𝚜𝚌𝚒𝚎𝚗𝚣𝚊 𝚌𝚑𝚎 𝚕𝚊 𝚙𝚛𝚎𝚜𝚎𝚗𝚣𝚊 𝚞𝚖𝚊𝚗𝚊, 𝚒𝚗𝚜𝚒𝚎𝚖𝚎 𝚊𝚒 𝚕𝚞𝚘𝚐𝚑𝚒, 𝚜𝚒 𝚎̀ 𝚜𝚖𝚊𝚛𝚛𝚒𝚝𝚊 𝚗𝚎𝚕𝚕𝚊 𝚟𝚎𝚕𝚘𝚌𝚒𝚝𝚊̀ 𝚍𝚒 𝚞𝚗 𝚖𝚘𝚗𝚍𝚘 𝚌𝚑𝚎 𝚊 𝚏𝚞𝚛𝚒𝚊 𝚍𝚒 𝚐𝚞𝚊𝚛𝚍𝚊𝚛𝚎 𝚊𝚟𝚊𝚗𝚝𝚒 𝚎̀ 𝚒𝚐𝚗𝚊𝚛𝚘 𝚍𝚎𝚕 𝚙𝚊𝚜𝚜𝚊𝚝𝚘 𝚎 𝚍𝚎𝚕 𝚙𝚛𝚎𝚜𝚎𝚗𝚝𝚎. 𝙸𝚗𝚝𝚎𝚗𝚍𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚌𝚑𝚎 𝚕𝚊 𝚌𝚛𝚎𝚊𝚣𝚒𝚘𝚗𝚎/𝚙𝚛𝚘𝚍𝚞𝚣𝚒𝚘𝚗𝚎 𝚍’𝚒𝚖𝚖𝚊𝚐𝚒𝚗𝚒 𝚑𝚊 𝚍𝚒 𝚌𝚘𝚗𝚜𝚎𝚐𝚞𝚎𝚗𝚣𝚊 𝚏𝚊𝚝𝚝𝚘 𝚍𝚒𝚖𝚎𝚗𝚝𝚒𝚌𝚊𝚛𝚎 𝚌𝚑𝚎 𝚕𝚊 𝚏𝚘𝚝𝚘𝚐𝚛𝚊𝚏𝚒𝚊 “𝚜𝚒 𝚝𝚘𝚌𝚌𝚊”, 𝚑𝚊 𝚞𝚗 𝚜𝚞𝚙𝚙𝚘𝚛𝚝𝚘 𝚖𝚊𝚝𝚎𝚛𝚒𝚌𝚘, 𝚟𝚊 𝚌𝚞𝚜𝚝𝚘𝚍𝚒𝚝𝚊 𝚒𝚗 𝚊𝚕𝚋𝚞𝚖 𝚍𝚒 𝚏𝚊𝚖𝚒𝚐𝚕𝚒𝚊, 𝚒𝚗 𝚕𝚒𝚋𝚛𝚒 𝚍’𝚊𝚛𝚝𝚒𝚜𝚝𝚊…

𝙰𝚋𝚋𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚟𝚒𝚜𝚜𝚞𝚝𝚘 𝚚𝚞𝚊𝚕𝚌𝚑𝚎 𝚖𝚎𝚜𝚎 𝚊 𝙿𝚊𝚛𝚒𝚐𝚒, 𝚙𝚎𝚛 𝚌𝚘𝚗𝚝𝚊𝚖𝚒𝚗𝚊𝚛𝚌𝚒 𝚎 𝚜𝚊𝚝𝚞𝚛𝚊𝚛𝚌𝚒 𝚌𝚘𝚖𝚎 𝚜𝚘𝚕𝚘 𝚕𝚊̀ 𝚅𝚒𝚕𝚕𝚎 𝙻𝚞𝚖𝚒𝚎𝚛𝚎 𝚜𝚊 𝚏𝚊𝚛𝚎, 𝚊𝚋𝚋𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚛𝚘𝚟𝚒𝚜𝚝𝚊𝚝𝚘 𝚝𝚛𝚊 𝚟𝚎𝚌𝚌𝚑𝚒𝚎 𝚌𝚊𝚛𝚝𝚎 𝚍𝚎 𝚟𝚒𝚜𝚒𝚝𝚎 𝚍𝚎𝚕𝚕𝚎 𝙱𝚘𝚞𝚚𝚞𝚒𝚗𝚒𝚜𝚝𝚎𝚜 𝚕𝚞𝚗𝚐𝚘 𝚕𝚊 𝚂𝚎𝚗𝚗𝚊, 𝚊𝚋𝚋𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚙𝚎𝚛𝚌𝚘𝚛𝚜𝚘 𝚌𝚑𝚒𝚕𝚘𝚖𝚎𝚝𝚛𝚒 𝚒𝚗 𝚊𝚞𝚝𝚘 𝚙𝚎𝚛 𝚎𝚜𝚜𝚎𝚛𝚎 𝚊𝚕𝚕’Atelier Malicot, 𝚛𝚎𝚜𝚙𝚒𝚛𝚊𝚛𝚎 𝚕𝚊 𝚖𝚊𝚐𝚒𝚊 𝚎 𝚕𝚊 𝚜𝚞𝚊 𝚕𝚞𝚌𝚎, 𝚒𝚗𝚌𝚘𝚗𝚝𝚛𝚊𝚛𝚎 𝚙𝚛𝚘𝚏𝚎𝚜𝚜𝚒𝚘𝚗𝚒𝚜𝚝𝚒 𝚎 𝚊𝚙𝚙𝚊𝚜𝚜𝚒𝚘𝚗𝚊𝚝𝚒, 𝚙𝚎𝚛 𝚙𝚘𝚒 𝚛𝚒𝚝𝚘𝚛𝚗𝚊𝚛𝚎 𝚒𝚗 𝙸𝚝𝚊𝚕𝚒𝚊 𝚎 𝚖𝚞𝚘𝚟𝚎𝚛𝚌𝚒 𝚝𝚛𝚊 𝚕𝚎 𝚌𝚒𝚝𝚝𝚊̀ 𝚍’𝚊𝚛𝚝𝚎, 𝚝𝚎𝚊𝚝𝚛𝚘 𝚍𝚒 𝚜𝚝𝚛𝚊𝚍𝚊 𝚎 𝚖𝚎𝚛𝚌𝚊𝚝𝚒 𝚍𝚒 𝚊𝚗𝚝𝚒𝚚𝚞𝚊𝚛𝚒𝚊𝚝𝚘. 𝚄𝚗 𝚙𝚎𝚛𝚌𝚘𝚛𝚜𝚘 𝚜𝚞𝚕𝚕𝚊 𝚏𝚘𝚝𝚘𝚐𝚛𝚊𝚏𝚒𝚊 𝚎 𝚒𝚕 𝚟𝚒𝚊𝚐𝚐𝚒𝚘, 𝚌𝚘𝚗 𝚊𝚕 𝚌𝚎𝚗𝚝𝚛𝚘 𝚕𝚊 𝚏𝚒𝚐𝚞𝚛𝚊 𝚍𝚎𝚕𝚕𝚊 𝚍𝚘𝚗𝚗𝚊 𝚏𝚕𝚊𝚗𝚎𝚞𝚜𝚎... 𝚌𝚘𝚗 𝚞𝚗𝚊 𝚜𝚌𝚊𝚝𝚘𝚕𝚊 𝚖𝚊𝚐𝚒𝚌𝚊 𝚍𝚒 𝚕𝚎𝚐𝚗𝚘 𝚌𝚑𝚎 𝚛𝚎𝚊𝚕𝚒𝚣𝚣𝚊 𝚏𝚘𝚝𝚘𝚐𝚛𝚊𝚏𝚒𝚎 𝚜𝚞 𝚌𝚊𝚛𝚝𝚊 𝚊𝚒 𝚜𝚊𝚕𝚒 𝚍'𝚊𝚛𝚐𝚎𝚗𝚝𝚘.

𝚌𝚘𝚖𝚞𝚗𝚒𝚌𝚊𝚝𝚘 𝚞𝚏𝚏𝚒𝚌𝚒𝚊𝚕𝚎 𝚚𝚞𝚒: Fondazione Alinari per la Fotografia

Minutera Itinerante alla Deriva è stata scelta tra più di 200 compagnie di artisti attraverso un bando pubblico per partecipare alla Scena OFF di Tutti Matti per Colorno 2024.

Ritratti ai sali d'argento
di Maria Di Pietro e Felisia Toscano

In un vivere continuo di immagini che si susseguono, spesso futili e fuggevoli nell’astratto di archivi che si smaterializzano, avere tra le mani una fotografia è come avere una certezza meno fragile. La fotografia minutera è un modo per creare un punto fermo nella vita delle persone. Non sei tu a cercare, a chiedere, è l’altro che viene verso di te, si ferma e posa. Quel che accade con la fotografia di strada accade nell’ora, adesso, si depongono le energie della corsa, del frenetico e del fuggevole senza ascolto, a prendere forma l’esserci in questo momento in connessione con sé stessi. La fotografia come arte per conoscere se stesso e l'altro.

"I nostri ritratti vengono realizzati al momento in una piccola scatola di legno che è la nostra macchina fotografica istantanea itinerante. Attraverso l’obiettivo la luce va ad imprimere la fotografia su una carta ai sali d’argento, nel momento stesso in cui nasce la stampa da quella scatola magica si afferma la propria esistenza, la necessità, il bisogno di svelarla al mondo. Il fascino, il mistero, misterioso seppur svelato, sembra quasi una magia realizzata da un artista del gioco, quelli di magia, funamboli, sognatori e sognatrici… una mano si muove all’interno della scatola, e ad uscirne è una fotografia, unica e irripetibile.”

Un concerto che ha travalicato i confini della musica, trasformandosi in un vero e proprio atto di speranza, di riflessione sull’arte e di libertà. Patti Smith, la sacerdotessa del rock, ha incantato il pubblico mantovano con un’esibizione che ha toccato le corde più profonde dell’anima. La scaletta, un viaggio attraverso la sua lunga carriera, ha offerto un mix perfetto di brani storici e gemme meno conosciute. L’apertura con “Ghost” ha subito creato un’atmosfera sospesa e malinconica, mentre “Summer Cannibals” ha infuso un’energia primitiva e vitale che ha subito trascinato il pubblico ad un abbraccio circolare pieno di passione. Ma è stato durante l’esecuzione di brani come “Redondo” e “Black Coat” che l’emozione ha raggiunto il culmine. Dedicati rispettivamente a Fred “Sonic” Smith e a Arthur Rimbaud, questi brani hanno rivelato l’anima più intima e profonda dell’artista. I suoi occhi chiusi, le mani che danzavano lievi a disegnare musica e vita. Un tocco particolarmente emozionante è stato l’omaggio a due figure iconiche: Pier Paolo Pasolini e Kurt Cobain. Con la sua voce graffiante, Patti Smith ha interpretato una poesia di Pasolini, trasformandola in un canto intenso e struggente. A Cobain, invece, ha dedicato una versione intensa e personale di uno dei suoi brani più celebri, sottolineando l’importanza della sua eredità musicale. Non poteva mancare un appello alla pace, la stessa che si invocava in passato, che ancora oggi si ha necessità di implorare… Patti Smith ha colto l’occasione per lanciare un messaggio forte e chiaro contro la violenza e le guerre che affliggono il mondo. Attraverso le sue canzoni e le sue parole,ha invitato il pubblico a riflettere sul valore della pace, dell’amore e della solidarietà, senza banalità, ma un sentire ad occhi chiusi vibrando sulla pelle di ognuno. “Utilizziamo il Potere per creare un mondo migliore”. Le ultime canzoni, “Dancing”, “Poem Peaceable”, “Pissing Teen Sarit” e la conclusiva “People”, sono state un inno alla vita, alla libertà e alla speranza. Un invito a non perdere mai la fiducia nel futuro e a continuare a lottare per un mondo più giusto e equo. La sacerdotessa del rock, ha incantato tutti e tutte, con un concerto che ha trovato la sua naturale cornice nell’inaugurazione della mostra “Picasso: Poesia e Salvezza”. La scelta di far coincidere il concerto di Patti Smith con l’apertura della mostra dedicata a Picasso non è stata casuale. Entrambi gli artisti, pur appartenendo a generazioni e a linguaggi espressivi diversi, condividono una profonda passione per la poesia, la libertà creativa e la ricerca di un senso più profondo dell’esistenza. La sua eredità artistica continua a ispirare nuove generazioni di musicisti e poeti. La sua voce, rauca e graffiata, è un invito a non conformarsi, a seguire i propri sogni e a lottare per ciò in cui si crede. In un mondo sempre più complesso e frammentato, la musica di Patti Smith rappresenta un faro di luce, un invito a ritrovare la nostra umanità e a costruire un futuro migliore per tutti. La sua musica, come l’arte di Picasso, rappresentano un messaggio di speranza e di unità. Entrambi gli artisti, attraverso le loro opere, ci invitano a guardare oltre le apparenze, a cercare la bellezza nelle cose semplici e a credere in un futuro migliore. Il concerto di Mantova è stato un’esperienza indimenticabile, un momento in cui la musica e l’arte si sono fuse in un abbraccio perfetto, dando vita ad un’emozione che rimarrà per sempre nel cuore di chi ha avuto la fortuna di esserci.
Noi eravamo lì, e come per magia, siamo ancora travolte da ogni vibrazione della sua voce.

Testo e foto Maria Di Pietro e Felisia Toscano

Spettacolo: Ritratti d’autore ai sali d’argento

Ritrattistica istantanea, itinerante, un’azione teatrale: impronta di presenza. Nel momento stesso in cui nasce la stampa da quella scatola magica si afferma la propria esistenza, la necessità, il bisogno di svelarla al mondo. Il fascino, il mistero, misterioso seppur svelato, sembra quasi una magia realizzata da un artista del gioco, quelli di magia, funamboli, sognatori e sognatrici… una mano si muove all’interno della scatola, ad uscirne è una fotografia, unica e irripetibile. E’ come quel gioco infantile, il girotondo, dove però non si accelera il corpo per provare quel piacere di stordimento, dove tutto l’ambiente intorno si trasforma in un caos luminoso con quella lanterna magica. Con quel mio gioco cerco di ricreare attraverso la memoria quell’anima infantile che vi è in me, attraverso il mio corpo e quel che può fare, con lentezza. Lo ricorda un fotografo del 900, J.H. Lartigue “da bambino socchiudevo gli occhi in modo da non lasciare che una sottile fessura attraverso la quale guardavo intensamente ciò che volevo vedere, poi giravo tre volte su me stesso pensando che avrei intrappolato quanto avevo guardato e conservato all’infinito non solo ciò che avevo ma anche gli odori e i rumori. Evidentemente a lungo andare mi sono accorto che il mio trucco non funzionava ed è allora che mi sono servito di una macchina fotografica.” Il suo stesso corpo come l’apparecchio fotografico, la camera del suo occhio a quello dell’attrezzo tecnico, il tempo di posa a tre giri su se stesso… la scelta della felicità, dare un senso al proprio vissuto, esserci e ricordare di esserci con una scatola magica dentro l’instancabile intreccio di vite, riflessioni e memorie. Creare l’ ”io” in una visione intrisa di malinconia, una malinconia resistenziale dove si ferma il tempo, si afferra l’istante, il destino effimero di ogni gioia. Una scelta ogni volta. Una scelta artistica, autentica. Mentre Lartigue fermava l’essenza stessa del divenire, il movimento, io mi osservo e mi ritrovo a ritornare ad un inizio, non certo a fermarmi, ma a ricominciare ad osservare tutto ciò che si ferma senza più, almeno per ora, inseguirlo. Ad accogliere chi non cerca una semplice riproduzione di un’immagine virtuale, digitale ma chi necessita di sentirsi attraverso un rito che trova radici in quel girotondo antico, in un luogo, in uno spazio fatto di luce.

Minutera Itinerante alla Deriva a Recanati Art Festival

𝙳𝚊𝚕𝚕𝚊 𝚏𝚒𝚗𝚎𝚜𝚝𝚛𝚊 𝚍𝚒 𝚌𝚊𝚜𝚊, 𝚕𝚊 𝚕𝚞𝚌𝚎 𝚊𝚗𝚗𝚞𝚗𝚌𝚒𝚊 𝚒𝚕 𝚖𝚊𝚝𝚝𝚒𝚗𝚘.
𝚂𝚒 𝚙𝚛𝚎𝚙𝚊𝚛𝚊𝚗𝚘 𝚒 𝚕𝚒𝚚𝚞𝚒𝚍𝚒 𝚙𝚎𝚛 𝚕𝚘 𝚜𝚟𝚒𝚕𝚞𝚙𝚙𝚘, 𝚜𝚒 𝚜𝚒𝚜𝚝𝚎𝚖𝚊 𝚕𝚊 𝚌𝚊𝚛𝚝𝚊 𝚎 𝚕𝚊 𝚌𝚕𝚎𝚜𝚜𝚒𝚍𝚛𝚊, 𝚜𝚒 𝚙𝚘𝚜𝚊 𝚕𝚊 𝚜𝚌𝚊𝚝𝚘𝚕𝚊 𝚍𝚒 𝚕𝚎𝚐𝚗𝚘 𝚗𝚎𝚕𝚕𝚊 𝚜𝚞𝚊 𝚋𝚘𝚛𝚜𝚊 𝚊𝚙𝚙𝚎𝚗𝚊 𝚌𝚞𝚌𝚒𝚝𝚊. 𝙽𝚎𝚕 𝚌𝚞𝚘𝚛𝚎 𝚍𝚒 𝚞𝚗 𝚙𝚊𝚛𝚌𝚘 𝚒𝚗𝚘𝚗𝚍𝚊𝚝𝚘 𝚍𝚒 𝚜𝚘𝚕𝚎, 𝚜𝚒 𝚎𝚛𝚐𝚎 𝚖𝚊𝚎𝚜𝚝𝚘𝚜𝚊 𝚞𝚗𝚊 𝚜𝚎𝚛𝚛𝚊 𝚍𝚒 𝚟𝚎𝚝𝚛𝚘 𝚎 𝚖𝚎𝚝𝚊𝚕𝚕𝚘, 𝚞𝚗 𝚕𝚞𝚘𝚐𝚘 𝚍𝚘𝚟𝚎 𝚕𝚊 𝚌𝚛𝚎𝚊𝚝𝚒𝚟𝚒𝚝𝚊̀ 𝚎 𝚕𝚊 𝚋𝚎𝚕𝚕𝚎𝚣𝚣𝚊 𝚜𝚒 𝚏𝚘𝚗𝚍𝚘𝚗𝚘 𝚒𝚗 𝚞𝚗 𝚒𝚗𝚌𝚊𝚗𝚝𝚎𝚟𝚘𝚕𝚎 𝚊𝚋𝚋𝚛𝚊𝚌𝚌𝚒𝚘. 𝚀𝚞𝚒, 𝚝𝚛𝚊 𝚒𝚕 𝚝𝚒𝚗𝚝𝚒𝚗𝚗𝚒𝚘 𝚍𝚒 𝚙𝚒𝚌𝚌𝚘𝚕𝚒 𝚟𝚘𝚕𝚊𝚝𝚒𝚕𝚒, 𝚒 𝚐𝚒𝚘𝚌𝚑𝚒 𝚍𝚒 𝚕𝚞𝚌𝚎 𝚎 𝚟𝚎𝚗𝚝𝚘 𝚕𝚒𝚎𝚟𝚎 𝚝𝚛𝚊 𝚒𝚕 𝚜𝚊𝚕𝚒𝚌𝚎 𝚙𝚒𝚊𝚗𝚐𝚎𝚗𝚝𝚎 𝚎 𝚕'𝚘𝚍𝚘𝚛𝚎 𝚍𝚒 𝚙𝚒𝚊𝚗𝚝𝚎 𝚛𝚒𝚐𝚘𝚐𝚕𝚒𝚘𝚜𝚎, 𝚜𝚒𝚜𝚝𝚎𝚖𝚒𝚊𝚖𝚘 𝚕𝚊 𝚕𝚊 𝚝𝚎𝚛𝚗𝚊 𝚖𝚊𝚐𝚒𝚌𝚊. 𝚁𝚒𝚝𝚛𝚊𝚝𝚝𝚒 𝚜𝚒 𝚊𝚗𝚒𝚖𝚊𝚗𝚘, 𝚎𝚜𝚙𝚛𝚎𝚜𝚜𝚒𝚘𝚗𝚒 𝚜𝚒 𝚏𝚊𝚗𝚗𝚘 𝚌𝚊𝚗𝚝𝚒 𝚜𝚒𝚕𝚎𝚗𝚣𝚒𝚘𝚜𝚒. 𝙲𝚘𝚗 𝚕'𝚊𝚛𝚐𝚎𝚗𝚝𝚘 𝚜𝚒 𝚏𝚘𝚛𝚖𝚊𝚗𝚘 𝚕𝚎 𝚜𝚏𝚞𝚖𝚊𝚝𝚞𝚛𝚎 𝚍𝚎𝚕𝚕'𝚎𝚜𝚒𝚜𝚝𝚎𝚗𝚣𝚊. 𝙲𝚘𝚗 𝚖𝚊𝚗𝚘 𝚍𝚎𝚕𝚒𝚌𝚊𝚝𝚊 𝚎 𝚘𝚌𝚌𝚑𝚒𝚘 𝚊𝚝𝚝𝚎𝚗𝚝𝚘, 𝚜𝚒 𝚜𝚌𝚛𝚞𝚝𝚊 𝚗𝚎𝚕𝚕'𝚒𝚗𝚝𝚒𝚖𝚘 𝚍𝚎𝚕𝚕𝚎 𝚙𝚎𝚛𝚜𝚘𝚗𝚎, 𝚒𝚗 𝚚𝚞𝚎𝚕𝚕𝚎 𝚌𝚑𝚎 𝚜𝚒 𝚍𝚘𝚗𝚊𝚗𝚘, 𝚜𝚒 𝚙𝚘𝚗𝚐𝚘𝚗𝚘 𝚍𝚘𝚖𝚊𝚗𝚍𝚎, 𝚛𝚒𝚟𝚎𝚕𝚊𝚗𝚍𝚘 𝚕𝚊 𝚌𝚘𝚖𝚙𝚕𝚎𝚜𝚜𝚒𝚝𝚊̀ 𝚎 𝚕𝚊 𝚋𝚎𝚕𝚕𝚎𝚣𝚣𝚊 𝚗𝚊𝚜𝚌𝚘𝚜𝚝𝚊 𝚍𝚒 𝚘𝚐𝚗𝚒 𝚒𝚗𝚍𝚒𝚟𝚒𝚍𝚞𝚘. 𝚄𝚗 𝚜𝚘𝚛𝚛𝚒𝚜𝚘, 𝚞𝚗𝚊 𝚕𝚊𝚌𝚛𝚒𝚖𝚊, 𝚞𝚗'𝚘𝚖𝚋𝚛𝚊 𝚍𝚒 𝚖𝚊𝚕𝚒𝚗𝚌𝚘𝚗𝚒𝚊...𝙻𝚊 𝚜𝚎𝚛𝚛𝚊, 𝚌𝚘𝚗 𝚕𝚎 𝚜𝚞𝚎 𝚙𝚊𝚛𝚎𝚝𝚒 𝚝𝚛𝚊𝚜𝚙𝚊𝚛𝚎𝚗𝚝𝚒, 𝚍𝚒𝚟𝚎𝚗𝚝𝚊 𝚞𝚗 𝚌𝚘𝚗𝚏𝚎𝚜𝚜𝚒𝚘𝚗𝚊𝚕𝚎 𝚖𝚘𝚍𝚎𝚛𝚗𝚘 𝚒𝚗 𝚌𝚞𝚒 𝚜𝚒 𝚌𝚎𝚕𝚊𝚗𝚘 𝚜𝚝𝚘𝚛𝚒𝚎, 𝚜𝚘𝚐𝚗𝚒 𝚎 𝚍𝚎𝚜𝚒𝚍𝚎𝚛𝚒. 𝙻𝚞𝚌𝚎 𝚜𝚘𝚕𝚊𝚛𝚎 𝚏𝚒𝚕𝚝𝚛𝚊 𝚊𝚝𝚝𝚛𝚊𝚟𝚎𝚛𝚜𝚘 𝚘𝚐𝚗𝚒 𝚏𝚎𝚗𝚍𝚒𝚝𝚞𝚛𝚊, 𝚝𝚒𝚗𝚐𝚎𝚗𝚍𝚘 𝚐𝚕𝚒 𝚜𝚌𝚊𝚝𝚝𝚒 𝚍𝚒 𝚌𝚊𝚕𝚍𝚎 𝚜𝚏𝚞𝚖𝚊𝚝𝚞𝚛𝚎 𝚍𝚘𝚛𝚊𝚝𝚎. 𝙻𝚎 𝚏𝚘𝚝𝚘𝚐𝚛𝚊𝚏𝚒𝚎 𝚜𝚒 𝚝𝚒𝚗𝚐𝚘𝚗𝚘 𝚌𝚘𝚜𝚒̀ 𝚍𝚒 𝚞𝚗𝚊 𝚟𝚎𝚜𝚝𝚎 𝚙𝚘𝚎𝚝𝚒𝚌𝚊...
𝙰𝚌𝚌𝚊𝚍𝚎, 𝚚𝚞𝚒.
𝙾𝚛𝚊

Testo e foto di Maria Di Pietro

La redazione di Arteventi news ha avuto la possibilità di vivere un’esperienza emozionante per la realizzazione di uno speciale sulla Cupola della Basilica della Madonna dell’Umiltà di Pistoia.
Un capolavoro architettonico che abbiamo avuto potuto di ammirare a partire dalla prima pietra che riporta la data del 1492 e che è visibile sulla parete esterna della Basilica.
Il percorso inizia in una piccola porticina in cui è necessario abbassarsi per entrare, quasi come se si fosse all’interno di un passaggio segreto, ci si ritrova dinanzi ad una scala a chiocciola che ci condurrà verso la sommità. La struttura ottagonale della cupola, con le sue nervature e le sue vele, è un esempio di architettura rinascimentale, ogni elemento è curato nei minimi dettagli e poter fare questo percorso è stato un vero e proprio viaggio nel tempo, dove si percepisce la grandezza del passato, la maestria degli antichi costruttori, la devozione dei fedeli che per secoli hanno pregato sotto questa volta celeste.
Il nostro “viaggio” che inizialmente prevede una scala a chiocciola che ci conduce al primo piano, ci da la possibilità di vedere dall’alto l’intero della Basilica; ma, è dopo la vista dell’antico organo che il percorso diventa più complicato snodandosi tra gradini alti, piccoli corridoi poco luminosi, passaggi stretti ed angusti mentre con mano continuiamo a toccare e a respirare il cinquecento.
Siamo curiosi e stupiti del percorso che stiamo facendo e man mano che ci avviciniamo, cresce l’emozione nel vedere sotto i nostri occhi un pezzo di storia della città pistoiese.
Nella parte finale, l’inclinazione è tale che per proseguire la salita dobbiamo percorrere dei gradini inclinati, si ha quasi la sensazione di abbracciare la cupola mentre ci avviciniamo… ad attenderci un’ultima scala che ci condurrà ad una piccola botola, ed è proprio lì la meraviglia, praticamente la botola si apre direttamente sulla lanterna in cima alla cupola, appena mettiamo il piede sull’ultimo gradino con gli occhi vediamo la città che si dispiega sotto di noi come un quadro dipinto, offrendo scorci suggestivi, i tetti di tegole rosse, il campanile svettante, il marmo bianco del Battistero, ogni dettaglio è ricoperto di bellezza. Percorriamo la lanterna in un girotondo rimanendo senza fiato con l’unica considerazione che la vera meraviglia è la cupola stessa, un’opera d’arte a cielo aperto, dove l’ingegno del Vasari si è intrecciato con la maestria dei costruttori toscani.
A quel punto con gli occhi pieni di arte e di bellezza riprendiamo la discesa che per alcuni versi è stata quasi più complicata della salita… ma ricchi dell’esperienza fatta e con la speranza che tutti coloro che si occupano della salvaguardia, tutela e conservazione della Cupola possano realizzare un progetto di valorizzazione per permettere ai pistoiesi e ai cittadini di tutto il mondo di poter vivere questa meravigliosa esperienza.

Testo di Felisia Toscano
Foto di Maria Di Pietro

Il Museo Novecento di Firenze ospita attualmente una grande mostra dedicata alla vita e all’opera di Louise Bourgeois, una delle artiste più influenti del XX e XXI secolo. La mostra, intitolata Louise Bourgeois – Do Not Abandon me, è una retrospettiva completa che ripercorre i sette decenni di carriera dell’artista, presentando oltre 100 opere, tra cui sculture, disegni, installazioni e gouaches.
Bourgeois è stata una pioniera nell’esplorazione di temi personali ed emotivi nell’arte, utilizzando il suo lavoro per scavare nelle profondità della psiche umana. Le sue opere sono note per il loro potere viscerale e la capacità di evocare una vasta gamma di emozioni, dalla paura all’ansia, dall’amore alla nostalgia. Trae ispirazione dalle sue stesse esperienze di traumi infantili e perdite, ha frequentemente esplorato temi come l’abbandono, il tradimento e la ricerca dell’amore e dell’accettazione. La sua opera è una testimonianza della resilienza dello spirito umano e del potere dell’arte di guarire e trasformare. La mostra è un’occasione rara per vedere una panoramica completa del lavoro di Bourgeois e per acquisire una comprensione più profonda del suo processo artistico e del suo impatto sul mondo dell’arte.
Sono varie le sezioni presenti nel percorso espositivo: “il corpo”, dove esplora la forma umana, spesso in modi frammentati o distorti, analizzando le proprie lotte con l’immagine del corpo e il suo fascino per la fisicità dell’esistenza; la sezione “la cella”, dove si concentra sulle iconiche installazioni cellulari di Bourgeois, che ha creato come spazi sia di confinamento che di introspezione. Questi ambienti claustrofobici e inquietanti riflettono le proprie esperienze di trauma e isolamento dell’artista. La terza sezione, intitolata “il ragno”, è dedicata alle sculture di ragni di Bourgeois, che sono diventate uno dei suoi motivi più riconoscibili. Queste opere sono spesso viste come simboli di protezione, potere e creatività; la quarta e ultima sezione, è intitolata “la femme-enfant” e presenta opere che esplorano il rapporto tra madri e figli, opere spesso tenere e toccanti che riflettono il complesso rapporto di Louise con sua madre. Il lavoro di Bourgeois è profondamente commovente, e questa mostra offre uno sguardo completo sulla sua vita e sul suo processo creativo, offrendo ai visitatori un’esperienza profonda e stimolante.

Testo di Felisia Toscano
Foto di Maria Di Pietro

Gli amanti dell’arte pop avranno l’occasione di immergersi in un vortice di colori e immagini iconiche grazie alla mostra “60 Pop Art Italia” allestita presso Palazzo Buontalenti a Pistoia. Dal 16 marzo al 14 luglio 2024, la mostra celebra la vivace scena artisticaitaliana degli anni ’60, un periodo di grande fermento culturale e sociale che ha visto l’esplosione della Pop Art.
Curata da Walter Guadagnini, l’esposizione presenta oltre 70 opere provenienti da importanti musei e collezioni private, offrendo una panoramica completa del movimento in Italia. Tra i protagonisti troviamo maestri affermati come Mario Schifano, Tano Festa, Franco Angeli, Mimmo Rotella e Mario Ceroli.
Le opere in mostra spaziano da celebri rivisitazioni di immagini popolari a riflessioni più profonde sulla società e la cultura di massa.
Tra i pezzi iconici troviamo la “Marilyn” di Roberto Crippa, i rebus di Renato Mambor e i celebri manifesti di Mimmo Rotella.
Non mancano inoltre opere di artisti legati alla Scuola di Pistoia, un importante centro di sperimentazione artistica negli anni ’60.
“60 Pop Art Italia” non è solo una mostra, ma un vero e proprio viaggio nel tempo che ci riporta in un’epoca di grandi cambiamenti e innovazioni. E’ un’occasione imperdibile per ammirare capolavori assoluti dell’arte pop italiana e per approfondire la conoscenza di un movimento che ha segnato profondamente la storia dell’arte del Novecento.


Testo e foto di Felisia Toscano

Le sale di Villa Bardini a Firenze ospitano una mostra imperdibile per gli amanti della fotografia: "Mimmo Jodice. Senza Tempo". Un'antologica che ripercorre la straordinaria carriera di questo maestro italiano, attraverso ottanta opere che spaziano dai suoi esordi negli anni Sessanta fino ai lavori più recenti.
La sua cifra stilistica è inconfondibile: immagini in bianco e nero, spesso caratterizzate da contrasti netti e giochi di luce e ombre, che catturano l'essenza del soggetto con una poetica senza tempo.
La mostra a Villa Bardini è un'occasione unica per ammirare alcuni dei suoi capolavori più celebri, oltre ad un omaggio a Michelangelo con le immagini scattate alla fine degli anni ottanta alle sculture presso le Cappelle Medicee.
Questa mostra rientra nel progetto “La Grande Fotografia Italiana” delle Gallerie d’Italia, che ha visto precedentemente protagonista Lisetta Carmi.
Le fotografie di Jodice non si limitano a documentare la realtà, ma invitano l'osservatore a una riflessione profonda. I suoi scatti catturano l'attimo fuggente, ma allo stesso tempo ci parlano di temi universali come la bellezza, la memoria, il tempo che passa.
"Mimmo Jodice. Senza Tempo" è una mostra che non deluderà gli appassionati di fotografia. Un'occasione imperdibile per immergersi nel mondo di questo grande maestro e scoprire la sua visione poetica.

Mimmo Jodice nasce a Napoli nel 1934, dove vive e lavora tutt'oggi. Si avvicina alla fotografia negli anni '50, frequentando il Circolo Fotografico Napoletano. Negli anni '60, le sue prime esposizioni lo fanno emergere come figura di spicco della fotografia italiana d’avanguardia. La sua ricerca fotografica si concentra sulla realtà urbana, con un occhio di particolare attenzione per la sua città natale, Napoli. Jodice cattura immagini di paesaggi, architetture e persone, utilizzando spesso inquadrature inusuali e giochi di luce e ombre per creare immagini poetiche e suggestive. Nel corso della sua carriera, Jodice ha collaborato con alcuni dei più importanti artisti e intellettuali del suo tempo, ha anche realizzato diversi reportage fotografici, è considerato uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea. Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Premio Nadar nel 1994 e il Targa d'Oro al Premio BFI di Londra nel 2008.
Le sue fotografie sono esposte in importanti musei e collezioni d'arte di tutto il mondo.

Testo e foto di Felisia Toscano